В Женевском музее искусства и истории проходит выставка под названием «От заката до рассвета». На выставке представлены шедевры мастеров русского искусства из Киевской национальной картинной галереи (до 2017 года – Киевский национальный музей русского искусства).
Название выставки символично. Символ многозначен и каждый может интерпретировать его, исходя из своего собственного опыта. Мнения могут абсолютно не совпадать. Однако, бесспорно то, что в Женеву привезли действительно великолепные полотна прекрасных мастеров живописи XIX-XX вв.: А.Куинджи, К.Айвазовского, И.Репина, М.Врубеля, Н.Ге, Ю.Клевера.
Нельзя упускать возможность их увидеть.
В 2022 году Киевская национальная картинная галерея отметила свой столетний юбилей. В 1920-х годах молодое советское государство, несмотря на разруху и бедность, поставило цель – развивать культуру в республиках. На Украине, в Киеве, в 1922 году была открыта картинная галерея, получившая в 1936 году статус Киевского национального музея русского искусства.
Основой музейной коллекции стали национализированные художественные ценности, собранные в 1919 году в специальный музейный фонд. Самое большое количество работ поступило из коллекций Николы, Ивана и Федора Терещенко – крупнейших промышленников, меценатов и благотворителей.
Это были произведения живописи, графики, скульптуры русских художников второй половины ХIХ века, со многими из которых братья Терещенко были знакомы лично. Так в музей попали известнейшие произведения русского искусства: полотна И. Шишкина, И.Крамского, Н.Ярошенко, И.Репина, В.Васнецова, В.Поленова, М.Врубеля, серии работ В.Верещагина, скульптуры М.Антокольского.
Во время Великой Отечественной войны большую часть музейного собрания эвакуировали в Уфу, но то, что осталось, было практически полностью вывезено немцами. Музей лишился около 1500 произведений искусства. В послевоенные годы музейное собрание было восстановлено благодаря государственной политике приобретения живописных работ через специальные закупочные комиссии. Крупнейшие музеи Москвы и Ленинграда передали в Киев множество ценных произведений. Происходили и обмены с другими музеями страны (с Государственным Эрмитажем, Государственным художественным музеем Белоруссии), велись целенаправленные закупки с выставок. Картины закупались государством у семей художников, отдельных коллекционеров и владельцев картин. Так коллекция музея пополнилась картинами А.Саврасова, Н.Крамского, Н.Ге, М.Клодта, А.Пластова, С.Чуйкова, С.Герасимова, М.Сарьяна, Ю.Пименова, П.Кончаловского, В.Серова, З.Серебряковой, Н.Рериха.
На выставке в Женевском музее искусства и истории представлены работы художников, принадлежавших к самым разным направлениям живописи: академизм, реализм, романтизм, символизм, импрессионизм. Все эти полотна посвящены теме ночи –таинственному времени между закатом и рассветом.
Самая «ночная» картина на выставке – «Ночь на Дону», созданная Архипом Куинджи в 1882 году. Она напоминает «Лунную ночь на Днепре» (1880), но на этом полотне нет лунного диска – только очень тёмное небо, звёзды и таинственно сияющая вода в реке. Свечение кажется особенно ярким во мраке ночи, и вода как будто сама по себе излучает магический свет.
Знаменитый преподаватель Академии художеств Павел Чистяков писал: «Все пейзажисты говорят, что эффект Куинджи – дело нехитрое, а сами его сделать не могут». Архип Куинджи был волшебником световых эффектов. Необыкновенный, фосфоресцирующий свет на его картинах привлекал и озадачивал зрителей и критиков. Только в XX веке было точно установлено, что фосфора в красках, которыми пользовался Куинджи, нет и никогда не было. Эффекта сияния и света художник достигал исключительно за счет прекрасного знания законов оптики и своего высочайшего мастерства колориста, умения найти те тона и их сочетания, которые создавали ощущение лунного свечения.
Яркими красками заката привлекает внимание посетителей выставки зимний пейзаж Юлия Клевера. Клевер был художником-академистом, писал в основном прибалтийские пейзажи. Особенно любил зиму и осень, закатное солнце. Юлий Клевер был очень популярен, его любили и ценили, а выставки картин художника проходили по всей России и в странах Европы. Члены царской фамилии и Павел Третьяков покупали его картины, считая необходимым иметь их в своих коллекциях. В советское время академический живописец продолжал преподавать в Академии художеств и заведовал кафедрой монументальной живописи в Высшем Художественно-промышленном училище имени Мухиной. Даже успел стать Заслуженным деятелем искусств РСФСР.
На выставке можно увидеть две работы знаменитого мариниста Ивана Айвазовского. Одна из них, «Сцены из каирской жизни» (1881), не совсем обычна для творчества этого художника. Это не морской пейзаж, а жанровая сцена, результат ярких впечатлений, полученных художником во время поездки осенью 1869 года в Египет. Ему посчастливилось присутствовать на торжественном открытии Суэцкого канала. Это историческое событие привлекло внимание мировой общественности и многие европейские государства отправили в Египет свои делегации.
Россия выделила для этих целей пароход, включив в число его пассажиров и известного художника Ивана Айвазовского. Ему было официально поручено запечатлеть на полотнах церемонию открытия и сам Суэцкий канал.
В экспозиции представлено ещё одно полотно, меняющее привычные представления о творчестве хорошо известного художника. Это картина Николая Ге «Флоренция» (1864). С именем Ге ассоциируются исторические и религиозные полотна, портреты, а посетители женевской выставки увидят один из итальянских пейзажей художника и откроют для себя новую грань его таланта. Это полотно было написано Николаем Ге в годы его пребывания в Италии в качестве пенсионера Санкт-Петербургской Академии художеств.
Киевская картинная галерея привезла на выставку в Женеву один из уникальных эскизов «Надгробного плача» Михаила Врубеля (росписи Владимирского собора в Киеве, так и неосуществлённой художником).
Живописи Врубеля свойственно величественно-трагическое настроение и узнаваемая черта его образов – огромные, выпуклые, бездонные глаза. Их напряжённый, страдающий взгляд выразительно передаёт невероятную духовную силу персонажей. Всё это есть в эскизе. В качестве фона «Надгробного плача» художник изобразил город, окутанный голубоватой дымкой лунного призрачного света. Лицо Христа возвышенно прекрасно и выглядит спокойным и умиротворённым.
Богоматерь Врубель написал на первом плане, перед гробом. Из её огромных влажных глаз катится слеза, а руки сложены в молитвенном благоговении. Этот образ – олицетворение просветлённой печали.
Варианты «Надгробного плача», предложенные Врубелем, по художественному языку и по трагизму не согласовались с росписями Виктора Васнецова и других мастеров. Трактовка Врубеля была очень далека от византийских канонов. Строительный комитет эскизы не принял и художнику удалось поработать в храме только с орнаментами стен северного и южного нефов.
На выставке есть ещё один эскиз Михаила Врубеля – «Ангел с кадилом и свечой» (1887). Художника критиковали за то, что его ангелы слишком похожи на людей. Врубелевский образ посланника Божия ближе к произведениям раннего итальянского Возрождения, чем к византийским и древнерусским образцам. Он напоминает итальянского юношу, и его неземная сущность выражена лишь в отрешённом взгляде, а крылья едва заметны, скорее угадываются.
Посетители выставки увидят работы Вильгельма Котарбинского – ещё одного художника эпохи модерна, принимавшего участие в работе над росписями Владимирского собора в Киеве. В конце XIX века он пользовался большой популярностью, но в ХХ веке его имя было забыто.
Котарбинский всегда с трудом вписывался в историю искусства, находясь в стороне от основных художественных направлений. Он был довольно нестандартным живописцем: придерживался академизма, но не в его чистом классическом виде, а смешанного с модерном и символизмом.
Павел Сведомский, картина которого – «Погребённые в цветах» (1886) -представлена на выставке, был другом Вильгельма Котарбинского и тоже работал (вместе со своим братом Александром) над росписями Владимирского собора. Сведомский был художником-академистом и большинство его полотен посвящено античным мифологическим сюжетам.
В основу картины «Погребённые в цветах» положена легенда из «Истории Августов», рассказывающая о пире римского императора Гелиогабала, приказавшего рассыпать с потолка несметное количество роз. Цветов было так много, что от их аромата приглашенные на пир недруги Гелиогабала задохнулись.
Одно из самых завораживающих, приковывающих внимание полотен на выставке - не пейзаж, не историческая живопись, а портрет. Портрет кисти Ильи Репина «Монахиня» (1887). Предполагают, что на нём изображена двоюродная сестра художника – Эмилия (в монашестве Евпраксия), которая была монахиней женского монастыря. Из глубокой темноты она смотрит прямо на зрителя. Фон очень тёмный, но этот мрак рассеивает свет, идущий от лампады и свечей.
От пронзительных глаз монахини невозможно укрыться. Возникает ощущение, что её взгляд движется и, из какой точки зала ни взглянешь на портрет, встречаешься с ней глазами. Монахиня пристально смотрит в ожидании. Она как будто задала какой-то очень важный вопрос и ждёт ответ. О чём она спросила и что ей ответить?
Картины, представленные на выставке, порождают множество мыслей: о закате и рассвете, о мраке ночи, о вечной борьбе добра и зла, о надежде. Выставка небольшая, но мысленно вы будете возвращаться к ней ещё не один раз.//SA
Comentarios